GHP prend à nouveau rendez-vous avec l’art exclusivement féminin. Après Stringbreak en 2009, du 6 février au 20 mars 2010, sur invitation de l’équipe de galeristes, quatre jeunes-femmes – Muriel Décaillet (Ch), Océane Moussé (Fr), Sophie Bacquié (Fr), Yasmina (Fr) vont investir l’espace de toute leur douceur et toute leur noirceur. « Hello Lilith », titre en forme de clin d’œil, veut concilier ou souligner les ambigüités en mixant les symboles.

Des femmes mignonnes, fleurs d’un jardin originel, fraîches, à l’âme noire. Si noire depuis des millénaires, au premier jour de la création, dans un monde de symboles, d’appropriations où la douceur est forcément jolie, ronde avec des nœuds dans les cheveux.  Sommes-nous, sont-elles devenues des minettes au nez délicat tout rose, aux yeux grands ouverts d’étonnements et de rires, si petite et si fragile, capable de dévorer les séminales intentions de l’humanité  ?  L’art au féminin – attention, tendez les bâches ! – sort ovaires, hystérie, le coeur et l’amour qui vont avec. Et de quoi on parle ? De sexe, de cloaque, d’humeurs, de plongée dans le limon du jardin perdu, de pisseuses.

Las de l’idée de nouvelles Eves, jeunes et pas, rêveuses fondantes d’envie et de mièvrerie devant la féline sniffeuse d’hélium, Kitty, virée des rêves des petites filles pour devenir logo maximum, las de l’idée d’un glissement du mythe de la femme maman et putain à la fois, las de la possibilité toujours ravivée d’une émancipation, de la récurrence d’une ambiguïté dans la posture de l’art féminin… de ce limon de lassitudes est sortie Lilith. Et s’il n’y avait jamais eu de changement, si la révolution dans la création et les sensibilités était ce tour complet sur soi qui ramène toujours au départ : à Lilith femme primordiale ?

L’exposition ne revendique aucune forme de –isme pourtant elle réunit des artistes dont les concordances réussissent à nous mener sur le terrain de cette féminité où l’intime prend la première place, où la pudeur se joue dans les rêves et l’ardeur de l’être sous vos yeux.

De soi aux représentations communes, de la mythologie aux atours quotidiens, et forcément féminins, « Hello Lilith » veut entrainer les visiteurs dans des jardins infinis, arachnéens, en apparence paradisiaques où chaque pas les rapproche peut-être des portes de l’enfer. Un enfer personnel ou fabriqué en tous cas où le désir, lui, est nu et dont on agace les limites.

Le collectif 100pression s’est présenté à la galerie en proposant de parcourir, le temps d’une exposition, un bout de chemin ensemble. Séduite par le contenu de cette candidature spontanée, GHP lui ouvre les portes pour deux semaines d’exposition très back to the USSR.

100pression s’empare des codes graphiques de l’ex-bloc soviétique pour prendre la défense de l’intégrité territoriale de nos imaginaires.

Ce collectif nantais, formé autour des arts graphiques, a construit une attaque en règle de l’imagerie servile en s’appuyant sur un noyau dur de six artistes en résidence de création et en faisant appel à des plasticiens, mobilisés dans tout l’hexagone. Marion Jdanoff, taxidermiste papivore, a prêté main-forte à l’offensive. On parle d’un colosse en papier…

On saluera enfin la venue du jeune russe Scheme, qui à la suite d’un long périple entre Moscou et Toulouse, s’est réapproprié l’alphabet cyrillique sur un des murs de la galerie.

Et parce que tout est parti d’un voyage, les photographies de Guillaume Jolly invitent notre regard à se porter sur la Russie dans tous ses extrêmes, démesurément contemporaine.

Cette exposition nous présente “ITO”, la dernière publication de Yann Taillefer, un double livre publié aux éditions du Dernier Cri. Ainsi à travers des dessins originaux, des sérigraphies et des sculptures nous plongeons dans l’un des mondes les plus personnel et étrange de la narration graphique actuelle.

L’univers de Yann Taillefer est hanté par d’étranges créatures organiques qui s’entre-dévorent ou survivent en symbiose. Les chasseurs comme les proies y agissent en suivant leurs instincts primaires (manger, se défendre, se reproduire…) et se perdent dans d’absurdes cycles sans fin de gestes répétitifs. Ces pages complètement muettes, dénuées de héros, d’aventures épiques, ne racontent rien. Elles nous donnent juste à voir les logiques intrinsèques de ces mondes absurdes.

Pourtant on est tenu par la précision de ces mises en scènes qui reprennent les codes graphiques des modes d’emploi  et schémas techniques. Et l’on plonge avec vertige jusqu’au plus profond des entrailles de chaque créature en suivant les mises en abîme graphiques et narratives de ces histoires. Yann Taillefer nous propose ainsi des univers à la fois noirs et grouillants de vie.

A mi-chemin entre l’imagerie scientifique analytique la plus froide, et, le voyeurisme d’un enfant contemplant des insectes combattant au fond d’un bocal en verre.

“Mon invitation par l’équipe de GHP et Christian Bernard à participer cette année au Printemps de Septembre, en particulier à une édition titrée “Là où je vais, je suis déjà”, pourrait être liée à la manière dont les tableaux, dans mon cas, se fabriquent. Tout commence toujours sans intention. Ou presque.

Il s’agit surtout de créer des situations, sur la base des formes noires peintes sur fond gris, où au fil des essais, la conjonction des textures, des tonalités et des formes suscitent une association visuelle. Les images retenues, qu’il s’agisse de constructions abstraites, de figures ou d’espaces géométriques, sont ainsi étroitement liées aux expériences dont elles résultent, d’un point de vue physique comme psychologique. Elles existent dès le premier instant passé dans l’atelier même si, à ce moment-là, elles ne sont pas encore visibles.

Dans le cadre de la représentation des peintures à GHP, j’ai demandé conseil à l’architecte, Tarramo Broennimann (Groupe8 Architectes, Genève), afin de définir un dispositif.”

R. Regnery – août 2008

Ce qui rassemble les recherches plastiques de Gaël Bonnefon et David Chaignon, ce sont leurs captations dramatiques du monde, en suspens entre une réalité contrariée et des fictions excessives. Ces propositions, qu’elles soient photographiques ou en volume, ont la même mécanique, une mécanique hasardeuse qui entraîne leurs personnages vers la chute, l’attente, ou la gloire pour Stallone.

Mais l’entraînement c’est également la préparation physique et mentale que s’impose Rocky à chaque nouvel opus. Il se reconstruit continuellement pour ne pas faillir. A contrario dans les photographies de Gaël, les personnages semblent avoir compris qu’il n’y a pas d’entraînement à l’existence, malgré leur capacité à l’effort. Ils apparaissent écrasés par l’atmosphère crépusculaire, à la limite de la disparition.

Le jeu de contraste entre les deux propositions est saisissant, même si chacune d’elle comporte une part d’ambiguïté et de contradiction, mêlant désillusion et enchantement, spectaculaire et dérisoire. Les deux artistes oscillent ainsi avec vigueur et sincérité dans une lecture acerbe de notre postmodernité, tout en restant prompts à la critique ou à l’autocritique.

Manystuff – le blog www.manystuff.org – propose de mener ses visiteurs à découvrir le portfolio de designers graphiques ; une sélection de graphistes journalière telle le miroir d’une pratique, le reflet d’un paysage.

Dans cette même dynamique, du 20 juin au 2 août 2008, Manystuff a présenté sa première exposition de graphisme contemporain, autour de la thématique du reflet et à partir de laquelle 8 jeunes graphistes ou studios ont exercé leur positionnement.

Tout comme le blog, cette exposition a souhaité faire dialoguer plusieurs approches différentes, allant du graphisme épuré et de l’expérimentation typographique pure, au design graphique tactile en trois dimensions et même au film.

Plusieurs expériences du graphisme donc – numérique, interactive, éditoriale, palpable – décomplexées mais s’attachant néanmoins toutes à réfléchir et à témoigner de ce qu’est la pratique graphique aujourd’hui. Tel un cabinet de curiosités, l’exposition foisonne, confronte, mélange, s’interroge et s’observe.

Le Marathon des Mots : 13  & 14 Juin 2008

Lectures : Maurice Bénichou, Hélène Filières (avec UEH), Thibault de Montalembert, Robert Plagnol, Abakar Adam Abaye, Valérie Bernatet, Elisabeth Masse, Cie La Part Manquante & Olivier Hussenet

Plasticien : Arno Fabre

Toutes les lectures avaient pour thème : l’eau. Elles étaient associées à d’autres disciplines comme la danse, la vidéo, la musique, le graphisme…

Nous avons eu le plaisir d’accueillir l’écrivain italien Francesco de Filippo pour son roman « Le Naufrageur » (lecture Robert Plagnol).

Le collectif PLAY a été créé en Mai 2007 à l’occasion du festival lyonnais des Nuits sonores. Il est composé de six graphistes, soit Nicolas André (Le Neopen/Toulouse), Kamel Malkhoufi (Melka/Paris), Julien Rivoire (Bastardgraphics/Lyon), Florian Sabatier (ease/Paris), Pierre Vanni (Toulouse) et Damien Vigaux (elr°y/Toulouse).

L’idée de l’exposition PLAYGROUND proposée par la galerie GHP est de montrer la spécificité et le talent individuel de chaque artiste du collectif, en suivant un fil conducteur : le jeu !

Le temps d’une exposition et pour son 1er anniversaire, le collectif PLAY fait le choix d’une vie créative autonome. Concentrés dans un seul lieu, les univers graphiques des différents acteurs de PLAY se mélangent, se heurtent… mais cette fois-ci hors du plan de l’écran de projection.

Après quelques années d’études et une brève carrière dans la chanson française underground, Amandine décline son bestiaire et sa galerie de personnages intrigants sur toutes sortes de supports. Tour à tour affichiste, illustratrice ou peintre sur corps pour Philippe Katerine, elle présente à la galerie GHP sa première exposition personnelle, tout en se consacrant parallèlement à la réalisation d’une bande dessinée, sobrement intitulée “Papatte”, basée sur une histoire de Philippe K.

Armée d’une solide technique de dessin classique proche de la gravure, Amandine Urruty nous dévoile une joyeuse galerie de portraits déviants, alliant costumes grotesques et décorum baroque, qui réconcilient miraculeusement les amoureux de la symbolique alchimique et les jeunes filles trop maquillées.

Dessinateur, ayant débuté , encore étudiant aux Beaux-Arts , en réalisant des trompes-l’oeil, Jean- Luc Favero connaît cette fidélité, cette allégeance de l’art envers la nature.

A travers Mars Wars, il veut évidemment parler et représenter autre chose. Il redessine, remodèle, densifie les volumes et le propos. Inspiré par la personnalité d’Amhmad Shah Massoud, notamment telle que nous l’a montrée Christophe de Ponfilly, à travers son documentaire Massoud L’afghan, le propos veut mettre en lumière l’énergie constante qui se dégage du rapport étroit entre la guerre et l’amour. Massoud le poète.

Massoud le chef d’armée. L’homme qui pour parler de sa réalité – préparer la guerre pour l’indépendance de son peuple – parle de poésie.

L’amour et la liberté se gagnent au prix d’une bataille. A Favero de tisser alors sa vision du Moujahid à la mythologie grecque, Arès et Aphrodite – Mars, Vénus – couple infernal et adultérin. La beauté embrasse la violence ou la mort et une énergie se crée : le désir. Le désir dans son ambivalence.